El futuro del arte.

Elena querida,

Respecto a tu respuesta, no dudo de los ánimos de tus estudios. Y mucho menos de tus capacidades. Tengo que buscar un párrafo de un libro que me prestó Patricia hace poco, que creo que viene bien para lo que discutimos.

Mientras te dejo este video para que escuches opiniones, cuál es el futuro del arte? y el presente??

cuestionar y rehacer

En realidad el fragmento que copié del libro de Castro (sí, Fernando, y sí, a mano!), lo elegí para este blog no tanto porque tratara el tema del arte latinoamericano, sino porque me pareció que va un poco más allá por la idea de cuestionar el discurso de la historia del arte, que es un discurso occidental, pero me interesa esto más que por occidental por hegemónico, o sea, por haber conseguido ordenar el conocimiento sobre el arte de una manera tan "global" (en todos los sentidos, además de alrededor del mundo). No me interesa tanto aquí que haya un arte latinoamericano, como que haya una verdad sobre el arte. Volver a la pregunta original: ¿qué es arte? (o, incluso, ¿esto es arte?). En fin, esas cosas quería yo plantear, aunque evidentemente tendría que haberlo añadido en el post, y no dejar la cita pelada.

En cuanto a tu comentario, sí, el discurso occidental (socio-histórico-artístico-cultural), queramos o no, es autoritario. Pero incluso yo diría más: cualquier discurso es autoritario, venga de donde venga. Uno tiene siempre que ser consciente del lugar desde el que habla, porque sólo así se puede suavizar un poco la mirada (nunca del todo, creo). Mi estudio del arte latinoamericano será sesgado, sin duda, porque no trabajo en el campo de la física cuántica o de las matemáticas puras (que aún pueden tener algo de ilusión de imparcialidad, ¿o quizá no?). De todas formas (en mi defensa) diré que por ahora no pretendo poner etiquetas de ningún tipo, y que si estudio obras iberoamericanas es porque me interesan las producciones culturales surgidas en ciertos contextos; podría encontrar quizá otras producciones similares en otros continentes, pero bueno, al final siempre hay que seleccionar y acotar. Además para mí la categoría de "latinoamericano" no se refiere sólo al lugar de nacimiento o los orígenes familiares o ¿étnicos?, sino más bien al contexto socio-cultural-geográfico en el que se crea la obra (por ejemplo, Francis Alys es, o ha sido durante un tiempo, latinoamericano).

Pero bueno, lo fundamental: WELCOME BACK!

En respuesta

Bueno Elena querida, la responsable y conocedora de la situación/colocación del arte latinoamericano eres tú. El autor Castro es Fernando Castro?
Yo poco te puedo decir, más allá de analizar un par de líneas del párrafo que amablemente has copiado (probablemente a mano).
" El problema, por consiguiente, no se encuentra en la necesidad de rehacer el discurso histórico (o, incluso, el artístico) desde perspectivas multiculturales sino en cuestionar dicho discurso en sí mismo, dado que éste es incapaz de asumir un sentido no lineal y, por lo tanto, no autoritario o no hegemónico."

Bueno, es cuestionar y rehacer, pero creo que esto es un problema que no tiene una raíz artística, y por lo tanto cualquier tipo de renovación histórica o artística es inútil, pienso que es un problema con una raíz socio-cultural. Y vamos a hablar claro, pertenecemos a una sociedad con un discurso no sé si autoritario, pero sí con aires de superioridad histórica y cualitativa. Bueno, digo pertenecemos pero tú y yo no tanto, tú por tu especialidad, yo por mis orígenes latinos, pero tú me entiendes, ¿cierto?

Lo que quiero decir es que la situación del arte latinoamericano, está mirada siempre con un filtro de luz occidental, no total. Su estudio, incluso el que se hace desde aquí en especialidad, está desfigurado por nuestra visión. Puede ser que incluso tu estudio (me estoy aventurando muchísimo y quizás me quieras matar) sea algo sesgado.

Pero desde aquí son todo ideas inconexas, te pregunto y te lo dejo a tí. Qué me dices?

paradojas

"La paradoja y, en especial, el interés por una visión que huya del formulismo reductivo de la moda se encuentran servidos: el arte latinoamericano para ser ha de dejar de ser, es decir, ha de abandonar el discurso de la razón del poder. No se trata, por lo tanto, de que el arte latinoamericano ocupe un espacio que le ha sido secularmente negado, sino que él mismo niegue el carácter unívoco y totalitario del propio discurso en el que se sustenta la actividad artística occidental, un discurso que, consciente o inconscientemente, ha generado no sólo las reglas de todo juego artístico sino su historia, su validez y su legitimidad, aspectos todos ellos que ahora intentan continuar siendo revalidados ampliando sagazmente las referencias monoculturales. El problema, por consiguiente, no se encuentra en la necesidad de rehacer el discurso histórico (o, incluso, el artístico) desde perspectivas multiculturales sino en cuestionar dicho discurso en sí mismo, dado que éste es incapaz de asumir un sentido no lineal y, por lo tanto, no autoritario o no hegemónico. El discurso de la historia y, de manera muy especial, el discurso histórico que sobre el arte se realiza, está por definición destinado a asumir un papel reductor dado que el propio concepto de arte que se toma como punto de partida responde a un modelo ideológico y cultural muy determinado".

Pérez, David, "Pluralismo e identidad: el arte y sus fronteras" en Jiménez y Castro (eds.), Horizontes del arte latinoamericano, Madrid: Tecnos, 1999, pp. 24-25.

Para pensar antes de comenzar

El momento de creación de la obra, el paso de la inspiración a la materialización de la idea.
Esa situación íntima entre el artista y su creación.
Pues ayer salí de casa y me encuentro a este chico, del que llevo viendo piezas suyas por ahi desde hace meses, y por lo que me dicen también se pueden ver en Madrid.
Bajo el lema "el arte es basura" va dejando pequeñas pintadas o instalaciones por la ciudad. Ayer fue esta al lado de mi bici. Y le pillé.
Tengo una foto en la que sale mirando, pero vamos a respetar la idea, aquí está su trabajo y no su cara.
Aquí te dejo su página, donde encontrarás varios de sus trabajos si es que no los has visto ya por la capital. A mí me gusta, la verdad. Algunas de las instalaciones son muy buenas, y con otras simplemente me parto y comulgo.
Por favor no te pierdas las traducciones de sus textos debajo de cada foto, algunas son un punto... no sé si será aposta o no, pero me han hecho gracia.

Aquí además te dejo una entrevista con él en talentyart

La rentrée

Vuelve Septiembre y nosotras también.
Como todo el mundo sabe, el Verano ya ha terminado, hará calor, pero ya es Septiembre y al menos yo aquí en Barcelona estoy deseando que se caigan las hojas de los árboles y comience a moverse todo.
Elena, te traigo algo para que lo mires, o lo miremos:

Se llama "democracia urbana". Mañana por la tarde inauguran expo en Paradigmas. ¿Qué es Paradigmas? Pues aquí lo tienes:
PARADIGMAS es una asociación sin ánimo de lucro que tiene como objetivo promover el diálogo entre Brasil y España dentro de un espacio poético. Con foco en el arte contemporáneo, toma como punto de partida Barcelona y Brasília para establecer un intercambio de experiencias artísticas entre las dos ciudades y de estas con sus entornos, europeo y latinoamericano.
Los de Democracia Urbana se definen así:
Democracia Urbana es un movimiento que reconoce al ser humano como protagonista de la  ciudad y el espacio público como escenario abierto a la participación.

¿Qué te parece?  ¿Me paso mañana y les echo un ojo?
Nos vemos el Viernes en Madrid.
En estos días subiré la nota de prensa de la exposición de Natalia López en Cream Espai Creatiu, ojalá pudieras verla...

¿Ya es Otoño allí también?

cómo está el patio (iii)

No me manejo demasiado bien en las ferias de arte, así que mi entrada de hoy en cómo está el patio es más informativa que valorativa. Y como la semana pasada, voy a elegir solamente una noticia: del 6 al 9 de junio se ha celebrado (está terminando de celebrar) la feria de arte moderno y contemporáneo latinoamericano PINTA en Londres. Del 10 al 13 de noviembre estará en Nueva York. Y repito: es una feria sólo de arte latinoamericano moderno y contemporáneo.

Unas 50 galerías exponen sus obras, y además hay "solo shows" de cuatro artistas y 11 "art projects". Por otro lado, han desarrollado un public program que ha durado dos días, en colaboración con la universidad de Essex, y al que han invitado a artistas como David Lamelas o a comisarios como Camille Morineau, del Pompidou.

En principio esta feria me interesa muchísimo, y es una lástima no haber podido estar allí en persona (o en NYC en noviembre), porque tanto esfuerzo centrado en el arte latinoamericano es de agradecer.

Además, que en mi primera visita a la web de Pinta haya conocido a una artista brasileña magnífica, no tiene precio. Y aquí te dejo un link a una expo de esta mujer, Rivane Neunschwander en el New Museum. Yo la voy a seguir muy de cerca (modo tesis on).

En fin, lo dicho, sobre el concepto feria yo tengo más bien poco que aportar, a lo mejor cuando le eches un vistazo a la web de Pinta tú puedes valorar mejor el evento.

Cosas curiosas...

Por cierto, mira esto:

http://www.alvarodelosangeles.org/

Estos proyectos: Hangar Barcelona

Hoy traemos un proyecto cultural muy conocido en Barcelona. Hangar.
Si llegas aquí y te mueves lo más mínimo dentro del arte más contemporáneo te enteras de que existe Hangar a los 10 minutos de pisar la ciudad.
En su página pone:

¿Qué es Hangar?

Hangar es un centro para la producción e investigación artística fundado en 1997 por la Associació d’Artistes Visuals de Catalunya (AAVC) para dar apoyo a creadores y artistas y ofrecer servicios que se adapten a las necesidades de producción que surgen en el mundo de la creación.
El centro tiene su sede en un edificio industrial rehabilitado en el barrio del Poblenou en Barcelona. El espacio, con 1.800 m2, da cabida a 15 talleres individuales, un medialab, 2 platós, un servicio de alquiler de equipos, técnicos y asesoramiento de producción. Además, Hangar organiza un programa de talleres de formación para artistas, un programa de intercambios internacionales y ofrece becas de producción.
El espacio está subvencionado principalmente por la Generalitat de Catalunya y el Ayuntamiento de Barcelona. La gestión corre a cargo de la Fundación AAVC. Su modelo de gestión y su filosofia, enfocada a la producción y la investigación, hacen de Hangar un espacio único en Barcelona e, incluso, en todo el Estado español.

Eso es algo importante, la página de Hangar va siempre de lujo.
Bueno, básicamente Hangar tiene un programa muy completo como centro de creación, expositivo y de intercambio.
Por lo que tengo entendido, la gente de Hangar sale contenta y las becas en el exterior están muy bien.

Además (al loro) tienen programas para becas de comisariado. Hangar colabora con otros centros generando exposiciones en distintos espacios y creando bastante dinamismo. Lo que te digo. Todo Cristo ha pasado por Hangar, conoce a alguién que ha pasado o ha ido a alguna expo de alguien de Hangar.

Respecto al funcionamiento:

¿Cómo se gestiona?

Hangar es una iniciativa de la Associació d'Artistes Visuals de Catalunya. A pesar de ser una iniciativa privada, se gestiona con criterios públicos y con vocación de servicio. Se trata de un proyecto independiente que se financia con aportaciones de:
Generalitat de Catalunya
Ajuntament de Barcelona
Ministerio de Cultura
Diputació de Barcelona
Fundació Banc de Sabadell

Los servicios que ofrece Hangar están, pues, fuertemente subvencionados. Es por eso que los precios que los artistas pagan por estos servicios, contribuyendo así al mantenimiento del proyecto, son muy asequibles.
Jurídicamente, Hangar es la Fundació privada de l'AAVC. Los miembros del patronato de la Fundació son las personas que forman la Ejecutiva de la Associació. De este modo, cuando las elecciones renuevan la composición de la Ejecutiva se renueva también el patronato de Hangar.

El equipo de personas que gestiona el día a día del centro es independiente del patronato. El equipo técnico son las personas contratadas por la Fundació y que desarrollan las tareas:
Tere Badía, director técnico
Laila Agzaou, administración
Joana Cervià, becas y talleres
Nuria Marqués,  producción
Marta Gracia, Investigación
Rocío Campaña, reserva de espacios para producción

Glòria Martí, vídeo
Clara Piazuelo, formación
Álex Posada y Miguel Ángel de Heras, laboratorio de interacción
Lluís Gómez, software libre y streaming

Jovan Cvetkovski, medialab
La comisión de programas hace las funciones de dirección artística. Se trata de un comité formado por 5 expertos en Artes Visuales, responsables de las decisiones que han de basarse en criterios estéticos, como la selección de los artistas que han de residir en los talleres, la preselección de los artistas para una beca de residencia en el extranjero o la selección de proyectos. Esta comisión se renueva cada 2 años.
 
La actual Comisión de Programas (mayo 2010-mayo 2012) està formada por :
- Dora García, artista
- Jordi Mitjà, artista
- Joan Vila-puig, artista            
- Latitudes (Max Andrews & Mariana Cánepa), comisarios/críticos
- Àlex Mitrani, comiasario/crítico. 
Asímismo forman parte de la Comsión de Progrmas, con voz pero sin voto, un representante de las instituciones públicas que financian Hangar (Ayuntamiento de Barcelona, Generalitat de Cataluña y Diputación de Barcelona).
Anterior (desde mayo 2008 hasta mayo 2010)
David Armengol
Carles Guerra
Luis Bisbe
Pilar Parcerisas
Marcel·lí Antúnez
 
Debido a los nuevos cargos institucionales de  Pilar Parcerisas y
Carles Guerra  han renunciado como integrantes de la comisión de programas.
Serán sustituidos por Maribel Perpiñá (comisaria) y Salvador Juanpere (artista).
Para formar parte de la comisión de pogramas, es necesario presentar la candidatura, cuando sea el momento de la renovación, ante la AAVC. La Asamblea general de socios vota entre tod@s l@s candidat@s presentados y las 5 personas más votadas son las que finalmente formarán la comisión.

Pegas? Pues si hay que buscárselas quizás sea que son un poco piña, un poco mafia, barren para casa y es difícil entrar. Lo cual hace que el producto que sale de Hangar tenga un aire bastante endogámico. Pero bueno, lo haríamos todos...

Recomiendo que te pases por la página y por el Blog (que OH SORPRESA! lo utilizan). Verás fotos de la expo que te dije el otro día, la de la gran aventura (que tuvo lugar en Can Felipa) y de la que te hablaré otro día.

En realidad Hangar habla por sí mismo, pero pregúntame lo que quieras. Yo me tengo que pasar mañana por la tarde por allí, así que aprovecha ahora o calla para siempre! :D

En torno a un texto: Walter Benjamin. La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica.

Elena y yo nos llamamos a menudo y nos escribimos aún más. El otro día le dije que pensaba que podríamos buscar un texto que tuviera alguna relación con todo lo que estaba pasando en la calle en España, le hablé de democratización del arte. Elena decía: "sobre el texto: no sé si te parece que nos metamos con Benjamin y la obra de arte en la época de su reproducibilidad técnica..."

Bueno, desde mi punto de vista un texto de Benjamin es peliagudo porque este hombre en su corta vida cambió de opinión más que de camisa, pero hagamos por centrarnos y propongamos una lectura concienzuda del texto el cual si no lo tenéis a mano podréis encontrar sin ninguna dificultad en internet.

Más allá de eso Elena me mencionaba un artículo en revista de letras sobre este mismo texto.

Bueno, creo que es bastante importante mencionar en este y en cualquier texto de Benjamin la cita con la que comienza su reflexión, que viene siendo el resumen de su texto:

«En un tiempo muy distinto del nuestro, y por hombres cuyo poder de acción sobre las cosas era insignificante comparado con el que nosotros poseemos, fueron instituidas nuestras Bellas Artes y fijados sus tipos y usos. Pero el acrecentamiento sorprendente de nuestros medios, la flexibilidad y la precisión que éstos alcanzan, las ideas y costumbres que introducen, nos aseguran respecto de cambios próximos y profundos en la antigua industria de lo Bello. En todas las artes hay una parte física que no puede ser tratada como antaño, que no puede sustraerse a la acometividad del conocimiento y la fuerza modernos. Ni la materia, ni el espacio, ni el tiempo son, desde hace veinte años, lo que han venido siendo desde siempre. Es preciso contar con que novedades tan grandes transformen toda la técnica de las artes y operen por tanto sobre la inventiva, llegando quizás hasta a modificar de una manera maravillosa la noción misma del arte.»
PAUL VALÉRY, Pièces sur l'art ( «La conquête de l'ubiquité»).

Desde mi punto de vista Benjamin en este texto libera al arte de la pátina de decimonónica de Arte con mayúsculas. Es curioso que hable de la reproductibilidad del arte en aquella época...Benjamin no hubiera dado a basto con su análisis hoy en día.

Benjamin declara que el arte ya no es único. Analiza los procesos anteriores de reproducción de una misma obra, pero se ve saturado por la cualidad de la copia exacta que según él, renuevan el significado inicial del original, dándole tantos sentidos como copias, el significado oculto (ese que se supone que dan razón de ser a una obra) se desvanece, ahora no vamos a buscar las razones y la conversación con la pieza, es ella la que nos busca a nosotros y se adapta al imaginario personal de su público. Por lo tanto, la razón histórica, primera y fundamental del arte para Benjamin desaparece.

Durante el texto el autor pone como ejemplo el cine (hay que entender que el hombre se vió quizás un poco sobrepasado con la rapidísima evoluvión técnica e influciencia popular que tuvo el séptimo arte en aquella época), donde el actor cambia a su público del teatro por una cámara, y ese mensaje directo y enmarcado por el contexto, esa “aurea” de la que se habla en el texto desaparece, y la industria pasa a crear al personaje popular, ese Brad Pitt, que le hace brillar en pantalla por encima de ser actor.

Es aquí donde para Benjamin la obra se desliga del arte. Esa capacidad de multiplicarse es la que le preocupa, ya que los enfoques pueden ser controlados por el poder, unificando a la gente en un mismo pensamiento, generando copias de los espectadores através del ejemplo de la copia de la obra.

Hoy que ya han pasado 70 años de la muerte de Walter Benjamin, si su profecía sobre la copia se podía cumplir, lo ha hecho pero con creces.

Si nos ponemos catastróficos puede ser ese el fin del arte, tan discutido con su amigo Danto. Pero para mí falla algo muy importante de ese planteamiento. Benjamin nos dice que la obra de arte antes no era autónoma en su significado si no que dependía del ritual:

“Es de decisiva importancia que el modo aurá-tico de existencia de la obra de arte jamás se desligue de la función ritual. Con otras palabras: el valor único de la auténtica obra artística se funda en el ritual en el que tuvo su primer y original valor útil. Dicha fundamentación estará todo lo mediada que se quiera, pero incluso en las formas más profanas del servicio a la belleza resulta perceptible en cuanto ritual secularizado.”

¿Hasta qué punto -me pregunto yo- ese valor persistía y llegaba al público en la época en la que no se imprimía en serie y a la Mona Lisa aún no le había salido bigote de Dalí?

cómo está el patio (ii)

Por falta de tiempo estos días (exámenes de alemán, presentación en un seminario, reflexionar sobre lo divino y lo humano), hoy quiero solamente centrarme en una noticia: se ha inaugurado ya PHOTOESPAÑA2011.

Dentro de dos semanas andaré por Madrid y espero poder ver bastantes exposiciones dentro del festival, especialmente las de la sección Off y el proyecto Transatlántica (del que quizá en algún momento podamos hablar aquí, ¿lo conoces Andrea?), y ya después comentarte aquí las impresiones que saque. Por ahora lo que tengo son ganas de ver cositas, porque en general PhE tiene buenas expos y elige buenos fotógrafos, consagrados o jóvenes. ¡Esperemos que este año no defraude!

Tengo que bajar al perro, que también es un arte :-P

Cómo está el patio...02

Cosas de las que hablar que tenía en el tintero:

Por si no lo dije antes la noche de los museos fue una enormísima desilusión.

Cosas de las que hablar hoy:

El domingo por si no estábais enterados, cerró SWAB la feria de arte contemporáneo de Barcelona. La verdad es que e suna feria muy joven y bastante pequeñita. El año pasado estuvo bastante bien, principalmente en lo que a ventas se refiere. No se sabe de dónde se sacaron tanto coleccionista Diaz Cascón y su hija, pero sinceramente el resultado fue bueno.
Este año tengo entendido que Marina (la hija) no ha estado tan presente en todo el proceso de la feria porque se ha trasladado a Italia y estará la chica en sus cosas, pero para mí el resultado ha sido bastante pobre. Yo diría que este año era más grande, recuerda más a las ferias de fuera, pero he visto pocas maravillas más allá de una galería mexicana y esta obra de la que dejo una imágen, que no digo que sea una maravilla pero a mi me tuvo un rato mirando y eso ya es bueno.

Olvidé mi cámara y los videos que tengo son de bastante mala calidad, pero podéis pasar por la página de SWAB

En otro orden de cosas os dejo aquí las Postcards from Venice, del blog de Frieze. Son las primeras impresiones de la Bienal. Enjoy ;)

En un tiempo en el que no estamos para andarnos con chiquitas, Laurie Anderson dice que el arte no es el mejor modo de cambiar el mundo. Bueno, más bien dice:

«¿Puede el arte cambiar el mundo?». La entrevistada muta en entrevistadora y carece de respuesta, pero matiza que ni siquiera sabe «si los políticos pueden cambiar la realidad. Elegimos a Obama para que lo hiciera y hemos visto que tiene las manos atadas por la principal industria de Estados Unidos, la guerra. Pero tal vez el arte no sea el mejor método para cambiar el mundo».

Es una pena que ese sea el titular cuando a esta mujer hay cosas bastante más interesantes que preguntarle...
Y finalmente me gustaría comentar una noticia que no es de arte pero que me he encontrado en El País, en cultura (por cierto, la parte de cultura de este periódico es cada vez más deprimente, yo me autopropongo para el puesto de redactora, y les hago algo en condiciones por un sueldito de becaría).
La noticia es:

Contra el falseamiento de la Historia

Personalidades del mundo de la cultura alzan su voz contra la Real Academia y el 'Diccionario Biográfico Español' -  

La noticia pues qué voy a decir, no me sorprende, las reales academias de este país últimamente se están llevando la palma con sus aportaciones ultimamente.
Lo cierto es que un diccionario biográfico (que por cierto no he leído así que tampoco tengo mucha opinión al respecto) ya me parece un objeto/objetivo complicado, pero si además decides no usar la palabra "dictador" en un país en el que llevamos 2 días de democracia, pues no esperes una gran acogida.

La cuestión es que preguntan a varias grandes personalidades y personajes de la cultura y lo que opinan de esto...en realidad esto es lo que más gracia me hace de todo...

En fin. Ahora me voy a ver una expo en Can felipa: "La gran aventura".

Del 18 de mayo al 9 de julio de 2011. Can Felipa, Barcelona

David Bestué / Sergi Botella / Joan Cabrer / Jordi Ferreiro / Alberto Gracia / Mercè Hernández / Samuel Labadie / Lola Lasurt / Rita Rodríguez / Guillermo Pfaff / Diego Pujal / Black Tulip / Rubén Verdú / Mariana Zamarbide

 La Gran Aventura es una exposición colectiva que cuenta con la participación de 14 de los artistas residentes en Hangar entre 2008 y 2011. Partiendo del concepto de "hiperficción explorativa" que define los libros juveniles de Elige tu propia aventura, la muestra deviene un ensayo expositivo y narrativo sobre la condición del artista en la actualidad. Una aproximación coral, que a medio camino entre el metarelato artístico y la parodia novelada, incide en la supuesta funcionalidad – o disfuncionalidad – del trabajo en arte.

 No sé cómo estará la expo, ya te digo algo cuando vuelva. Pero por ahora el cartel me encanta :)

Cosas curiosas...

Mira Elena lo que me he encontrado en ART234

10 consejos para estudiantes de Historia del Arte

1.  Si lo que ves en la imágen tiene forma de pito, en el examen di que es un símbolo fálico. No se atreverá a negarlo

2.  Toma buena nota de lo que diga el profesor sobre la obra de Duchamp. En el examen pon lo contrario. Aprobarás.

3.  Estudia a conciencia las formas y evolución de los ábsides románicos. Nunca sabrás por qué, pero por ahí se va media carrera.

4.  No tires el programa de la asignatura el primer día en cuanto salgas por la puerta. Recicla.

5.  Si dijo Euclides que por dos puntos diferentes sólo pasa una línea recta, también dijo que tú puedes trazar las líneas compositivas que te de la gana.

6.  Buscar imágenes en google imágenes son las sandalias con calcetines de un historiador del arte.

7.  Si te mandan leer un libro y te piden una recensión que incluya tu opinión personal, es fácil: es un libro cojonudo. Ah, una recensión es lo que tú quieres que sea.

8.   El bullyng es un invento. Cuando un alumno hace una pregunta hay que reirse de él. Estás en una universidad española, acuérdate.

9.   Se escribe Brunelleschi y Quattrocento.

10.  Si durante los cinco años de licenciatura llegas a las 10.000 fotocopias, entras gratis en el Prado.

Me ha hecho gracia la verdad. Yo añadiría un par de cosas. Al principio de la carrera la gente de Filosofía hacía coñas sobre nosotros los de Historia del Arte empezando cada frase diciendo "Según el pensamiento de Duchamp..." Aquí van los míos:
 

11. Si Panofsky lo dijo, lo mismo ya no es verdad, pero queda guay ponerlo en el examen, punto más para tí seguro.

12. No te dejes engañar para perder el tiempo, en s.XVIII solo te van a preguntar por Goya. Y sí, eso es un cartón de tapiz.

13. Las medidas de un cuadro son siempre aproximadas, no seas cabrito con el resto de tus compañeros poniéndolas exactas. Especialmente si es un tondo.

14. Con absoluta seguridad en el exámen de técnicas artísticas te preguntarán "el vaciado" sabiendo eso tienes medio exámen hecho.

15. Hazte el cuerpo de que más de un profesor te pondrá una diapositiva amarillenta de su viaje a Roma en el 76 en el exámen aunque tenga 10.000 en alta calidad. Moraleja: no te quedes con detalles (tipo: señora de rojo que aparece en un lateral) de tus imagenes para diferenciar una iglesia de otra. La clave está en las puertas. El número de escalones también te pueden llevar a equívoco.

16. Eso no es un puente, es un acueducto, y eso no es un acueducto, es un puente.

17. Las 3 primeras clases de historia de la fotografía se te pasarán volando aunque son décadas, no te lo tomes a la ligera, apréndete de memoria la evolución aunque no entiendas nada de gelatinas y tal.

18. Si no sabes nada de la obra que están proyectando y solo tienes 5 minutos para recordar, comienza una lista de adjetivos "cultos" hasta que recuerdes algo o lo oigas por ahi.

19. Si en lugar de decir "fresco del salto del toro" dices "taurocatapsia" te has ganano al de griego.

20. Sí, has tenido suerte, en contemporáneo la mitad de las obras no tienen título, pero como no te aprendas los que tienen vas listo.

21. Si sabes explicar BIEN los dos tipos de cubismo tienes el examen aprobado y te puedes hacer una foto al lado del Guernica.

para ir volviendo a entrar en materia (después de una semana "movilizada")

Leo esto en la revista Ars Magazine:

Nuevo estatuto para el MNCARS

Un anteproyecto aprobado el pasado 20 de mayo da luz verde a la reforma institucional del Museo Reina Sofía

Madrid, 23/05/11

El último Consejo de Ministros celebrado el pasado viernes dio el visto bueno a un nuevo modelo de institucionalidad para el Museo Reina Sofía. Un anteproyecto reconocido en consenso por todos los grupos políticos que, además de un gesto político, da inicio al proceso de reforma estatutaria largamente reclamado por el centro. Unas reformas que se pueden resumir, grosso modo, en una mayor autogestión e independencia económica, tanto en lo concerniente a los proyectos expositivos propios como en el ámbito laboral.

Se abre así un proceso que se estima durará unos dos años, en el que se hará necesaria la negociación de un nuevo convenio colectivo para sus trabajadores, así como la redacción, negociación y aprobación del nuevo Estatuto. Una puerta abierta a la entrada de capital privado, a nuevas donaciones y legados, y a la internacionalización económica y cultural del museo.

Paralelamente al anuncio hecho por el director del Museo, Manuel Borja-Villel, el pasado viernes, acompañado por la subsecretaria de Cultura y el presidente del patronado de la institución, se ha publicado el segundo número de la revista del museo: Carta. Revista del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. En este número, el propio director abre la Editorial con un artículo titulado «Hacia una nueva institucionalidad», en el que expresa la necesidad de un nuevo estatuto y se apela a la continuidad del proyecto del museo en los siguientes términos: «La generación de un nuevo modelo cultural debe ir acompañada de cambios institucionales, porque las instituciones son las principales estructuras de invención de lo social, de un hacer afirmativo y no limitativo. Esto es más importante en nuestra época porque en la sociedad moderna occidental las artes de gobierno no consisten en aplicar medidas represivas, sino en hacer que estas se interioricen».

También en el citado artículo, Borja-Villel expresa su particular definición del papel a asumir por una institución como el MNCARS en el contexto social y cultural actual: «Aunque el museo como institución pública aún mantiene su importancia en la trama de industrias creativas, en la actualidad ha perdido una parte de su poder de mediación, o al menos su posición privilegiada, en la definición de lo que hoy entendemos por cultura. Quienes conforman el panorama cultural son, por un lado, los grandes actores de la industria de la cultura y de la comunicación y, por otro, el magma difuso de los productores que actúan desde la subordinación de su singularidad creativa, ya sea vendiendo su capacidad de creación, o siendo expropiados de ella».

Con esta nuevo anteproyecto para una ley propia, el MNCARS pasará, al igual que el Museo del Prado, de «organismo autónomo de carácter administrativo» a «organismo público con estatuto específico», logrando así (al menos en perspectiva) un nuevo lugar en la escena cultural.

cómo está el patio

Tal y como está el patio en este país, hoy no he leído ni una sola noticia sobre arte. Creo que lo que toca es emocionarse con la movilización masiva (http://www.soltv.tv/soltv/index.html) y pensar bien lo que hacemos el domingo.

Estos proyectos: 1:1 Projects

Comenzamos el primer proyecto!

En mi último viaje a Paris compré un libro llamado "Practiques et experiences curatoriales italiennes", cuyo primer texto ha inspirado la búsqueda de este proyecto.
Se trata de 1:1 Projects. Una red curatorial sin ánimo de lucro con base en Roma (y por lo que he visto luego también en Londres).

La verdad es que como proyecto ha sido bastante inspirador. Son un conjunto de gente con un perfil muy heterogéneo, que decidieron cohesionarse para desarrollar un proyecto independiente pero siempre relacionado con las instituciones. No se declaran en contra del establishment del arte, pero como profesionales han tomado nota de las carencias y deficiencias de este sistema y proponen alternativas y diálogo con museos y centros culturales.

Ante la pregunta de ¿Qué es ser un comisario independiente en una red como 1:1 projects? las palabras clave son el diálogo y la colaboración. (Elena, esta gente tendría que ser amiga nuestra!).

Llevan ya 3 años que han dado bastantes frutos, con un local en una zona periférica, fuera de las calles principales del arte de la capital italiana (para mí esto es crucial si uno quiere desarrollar algo diferente), han pretendido realizar proyectos de diálogo que captaran la atención de la gente hacia el arte (una buena relación con algunas de las cosas que estamos discutiendo en En torno a un texto de esta semana, no crees?), alejándose mucho de la práctica curatorial tradicional, funcionan con base a la independencia no para desarrollarse unicelularmente, si no para escuchar lo que cada uno tiene que decir. A nivel de colaboración lo veo sano, la verdad.

Hay que tener en cuenta también que Roma es un ciudad bastante inestable (están locos estos romanos!), por lo tanto entre sus propuestas hay un archivo  de artistas contemporáneos italianos y extranjeros. He intentado tener acceso pero nada, porque dicho sea de paso, y esto es un error GARRAFAL! la página web funciona fatal.

En fin, como iniciativa suena muy muy bien, como siempre lo difícil en estos casos es la sostenibilidad, es decir, la economía. No sé en realidad como funcionarán a ese nivel, pero si voy a Roma pienso visitarles. O quizás les escriba un mail...

Creo que la idea de un laboratorio curatorial, un laboratorio teórico es algo necesario y avanzado como concepto. A pesar de que yo creo mucho en lo heterogéneo y en el trabajo mano a mano con los propios creadores, ya que su punto de vista es siempre necesario, la simple idea de un espacio de diálogo fundamentalmente teórico y sobre todo, el concepto de laboratorio me encanta.

Experimentar con los conceptos y las ideas no es solo bellísimo, si no también necesario, hay que comenzar a cambiar la idea del teórico del arte encerrado, casposo y enterrado en libros.

La base de onesquaremeter es precisamente esa, el diálogo como proceso. Y a mí me encanta. Si además, después de procesar las ideas con un conjunto de personas que respetes, admires y valores se pueden llevar a la práctica, entonces creo que he encontrado el trabajo de mis sueños.

Ya me dirás qué te parece.

Practiques et experiences curatoriales italiennes. - dix entretiens réalisés par Frida Carazzato et Maria Garzia. 2010 le presses du réel.

En torno a un texto: Tony Bennett, "Museo" en Ideas recibidas, MACBA, 2010

En esta "primera entrega" de nuestras reflexiones sobre textos concretos, hemos elegido uno del británico Tony Bennett sobre el concepto y la historia de la institución Museo. Este texto forma parte de la publicación Ideas recibidas (MACBA, 2010), que no es otra cosa que la transcripción de unas jornadas realizadas en el museo, con invitados de lujo, en las que se desarrollaron conceptos fundamentales del vocabulario sobre el mundo del arte.

Aunque el texto de Bennett plantea un montón de cuestiones de las que podríamos hablar hasta cansarnos, he seleccionado solamente tres citas sobre las que haré algunos comentarios y más preguntas (este es un espacio de diálogo). Empecemos:

"El museo, como el laboratorio, funciona sobre todo a partir del desarraigo de los objetos de su contexto original. En ese proceso de abstracción los objetos paradójicamente pasan a ser "sí mismos" -al margen de las ataduras contextuales que los vinculan a ritos culturales y religiosos contingentes- y a la vez a ser otra cosa, signos susceptibles de ser recombinados de una manera aparentemente natural y transparente -tal y como sucede en la ciencia- dentro de la producción de un discurso de la memoria, de la comunidad, de la nación y de la humanidad".

Creo que este párrafo resume perfectamente un debate fundamental que surgió con el nacimiento de los museos, y que continúa hoy. Una pieza "museizada" está siempre descontextualizada y, por tanto, al borde del abismo de su significado y, sin embargo, eso permite infinitas posibilidades nuevas de resignificación y reinterpretación, aparentemente desde la asepsia del cubo blanco que es la sala del museo. Esto genera discursos ¿interesados? ¿Sobre qué base estamos construyendo nuestras narraciones en torno al arte?

Sigamos con otra cita, muy relacionada con estas preguntas:

"La mejor forma de entender los museos consiste en percibir que proporcionan un entorno hecho al gusto del consumidor de cara al despliegue de una amplia gama de saberes por medio de los cuales esos objetos, textos y obras de arte que se reúnen en el museo experimentan una resocialización, se adaptan a nuevos usos e intenciones, como parte de las tecnologías de la cultura que actúan sobre lo social".

"Un entorno hecho al gusto del consumidor"; fundamental para el éxito de cualquier museo o galería, ¿no? "Despliegue de una amplia gama de saberes"; ¿no ocurre que muchas veces los discursos expositivos tratan de tocar demasiados "palos", incluso de forma algo forzada? "Como parte de las tecnologías de la cultura que actúan sobre lo social"; Foucault está presente a lo largo de todo el texto de Bennett, y ¿también en los museos?, ¿son los museos otra institución para el control social (hoy)?

Por último:

"La concepción del museo que propugna James Clifford, esto es, el museo como zona de contacto que organiza los espacios de la interacción dialógica entre distintas comunidades, y los proyectos museísticos que aspiran a disolver las identidades específicas de la nación y la comunidad en una serie de identidades híbridas que salvan toda clase de límites territoriales y que se hallan en un flujo constante".

¿Es esta propuesta de Clifford posible en nuestro mundo trans/inter/multi-cultural?, ¿hay alguna institución o proyecto que la haya puesto en práctica con éxito?

Cómo está el patio...01

Cosas qué ver, con las que disfrutar y echarse unas risas.

Yo venía en son de paz, lo prometo pero es que hay cosas que te tiran del cabello, léase:

"Ves allí donde la noche te lleve. Tendrás la oportunidad de visitar hasta 48 museos de Barcelona y su área metropolitana."

Mi intención era transmitir una buena noticia, noche de los museos en Barcelona, una noche de sábado para disfrutar hasta la 1 y todo lo que el arte dé de si...y mira lo que veo, en la página, la primera frase...pero hombre...esto no es serio... nota para el becario: tio, activa el corrector de ortografía.
Aún así planeo ir, la oferta es buena y tengo muuuchas ganas de ver en acción a los de The Walking Gallery ;). 
Traeré pruebas, creo que la opción será seguir a los de TWG, ir a la Fundació Tapies, y ver qué se cuece en el MACBA.

Por otro lado, ya sabemos todos ¿no?, un nuevo Art Basel en Hong Kong. Era de esperar, teniendo en cuenta que no hace mucho leíamos que China ahora es el principal mercado de arte, la noticia no ha tardado en salir, ahi están repartiéndose el pastel, y así lo leíamos en Art Review. Por lo tanto las opciones son aprender chino y rezar para formar parte de lo que será esto. Me parece muy interesante e inteligente las posiciones de Art Basel, porque son marcos geográficos super distintos, compradores diferentes, y por lo tanto líneas estéticas muy muy diferentes. ¿Qué será lo que se vea en Hong Kong, se reconocerá la mano asiática (asiática de Pro, eso ya nos lo imaginamos) o será un mercado en Hong Kong para occidentales? Ya veremos...

Esta es para tí Elen, que estás ahi en Madrid unos días! acércate a ver esto que puede estar curioso "Arte Ikea (hágalo usted mismo)" en la Fundación Canal se invierten los papeles, y ahora puedes ir allí y "ser el artista".
El concepto de "sí se toca"no es ninguna novedad, y sinceramente esta iniciativa me parece muy divertida, pero de ahí a "democratización del arte" hay en mi opinión un rato largo. Una cosa es "venga, pintad lo que queráis niños" y otra democratizar el arte, porque para mí ahi está implícito el tema de acercar el arte a todos, desligarse de las élites y que el concepto y no solo la imágen llegue a todos. Hey Elena, quizás podemos darle alguna vuelta a este tema en algún momento en En torno a un texto, no?

Creo que es importante no olvidarnos en esta primera entrega de Cómo está el patio de lo que está ocurriendo con Ai Wei Wei, la cantidad de movilizaciones en apoyo a este artista.
La liberta de expresión es algo que no tendría que ser noticia ya, pero lo es. Y en este caso mucho más, somos muchos los que hemos puesto nuestra semilla, como las que el colocó en la Tate, haciendo una llamada de atención, pidiendo respeto a la obra y a la persona de Ai Wei Wei.
(De hecho, aquí os dejo una muestra de la expo en la Lisson Gallery)
Yo misma hice una video-acción, ha habido manifestaciones, textos, acciones en los museos, y ahora Anish Kapoor pide que los museos cierren un día por solidaridad con Ai Wei Wei. Creo que esta petición es además de necesaria muy coherente con el problema al que nos enfrentamos.
Los museos, los coleccionistas, los galeristas, los teóricos, los críticos y los estudiantes del arte somos gente que vivimos para y por el arte. Nuestro trabajo tiene sentido porque los artistas se han expresado y se expresan cada día. Necesitamos su libertad para poder seguir trabajando.

Y antes de irme os hablo de belleza, y os dejo con esta expo de Akiko Ikeuchi en el Museo de Arte Contemporáneo de Tokyo. Porque las cosas siempre hay que terminarlas con algo bello.

cómo está el patio

Inauguramos este blog echando un vistazo a algunas de las noticias o novedades en el mundo del arte que más nos han llamado la atención durante los últimos días.

Empiezo con las exposiciones que más me han llamado la atención y que si pudiera iría a ver. La primera, y por mi tema de tesis, es "Time Again", comisariada por Fionn Meade en el Sculpture Center de Nueva York (abierta hasta el 25 de julio); cito de Artforum: "In her iconic 1976 essay “Video and Narcissism”, Rosalind Krauss considers early works in the nascent medium (by artists such as Joan Jonas and Vito Acconci) as echo chambers that dissolve the notion of present tense. “Time Again”, curated by Fionn Meade, runs with this premise, investigating how repetition engenders a disjunction between past and present. Both the roster of two dozen artists—Blinky Palermo, Ull Hohn, Rosalind Nashashibi, and Rosemarie Trockel, to name a few—and the materials included are diverse, with works such as Troy Brauntuch’s collection of rubber stamps used in collages since 1975 representing the “gaps in between” media referenced in the press release. In the context of our increasingly accelerated and mediated daily experience, the folds in time afforded by these engagements with remembrance and recurrence provide necessary opportunities for reflection". Habrá que hacerse, por lo menos, con el catálogo de esta expo para poder analizarla en condiciones, pero en principio tanto la premisa de Krauss de que el vídeo (o lo audiovisual) disuelve la noción de presente, como la investigación sobre si la repetición genera una ruptura entre pasado y presente es algo interesante y que se presta a un buen discurso curatorial, ¿no? Sobre todo si se evita caer en el concepto de archivo, que ya está demasiado manido. Veremos.

Otra exposición que me gustaría ver es la de Francis Alÿs en el MoMA, titulada A Story of Deception, porque su obra me fascina y cualquier oportunidad de verla es buena. Por cierto que ya Alÿs hace un par de años o tres realizó un proyecto basado en la repetición (y la copia), Fabiola. Estuvo en la Hispanic Society y creo que también vino a España, ¿te acuerdas?

España. Casa Asia, en Barcelona, inaugura una exposición de videoarte asiático, Move on Asia. la presentan así: "Las obras presentadas en esta exposición proceden de los archivos de Move on Asia y aspiran a ofrecer una visión panorámica de la abundante producción de vídeo-arte en la Cuenca del Pacífico, así como de la diversidad de su ámbito de acción.

En los últimos años, son cada vez más los artistas que utilizan el vídeo como parte de su investigación creativa. Si en el pasado el vídeo-arte era considerado, en sí mismo, una categoría artística, hoy su uso extendido entre creadores que trabajan también con otros soportes ha hecho que nos cuestionemos si podemos continuar entendiéndolo como una actividad diferenciada. Se trata, en efecto, de un medio cada vez más accesible gracias al advenimiento de equipos más reducidos y potentes, desde las mini-grabadoras de vídeo en alta definición a los ordenadores portátiles que permiten editar sobre la marcha imágenes grabadas y encontradas. Como consecuencia, tanto la producción como la distribución del vídeo han evolucionado e impregnado todo tipo de prácticas artísticas.

Iniciado en 2004 por Jinsuk Suh, Director de Alternative Space Loop de Seúl, Move on Asia celebró su quinto aniversario en 2010. Su programa consiste en una presentación de obras de vídeo y animación, seleccionadas cada año por un equipo diferente de comisarios asiáticos, y creadas por artistas de países como Australia, China, Hong Kong, India, Pakistán, Indonesia, Japón, Filipinas, Singapur, Corea del Sur, Tailandia y Vietnam". Vídeo, vídeo; es un medio / soporte a volver a tener en cuenta, sobre todo por las posibilidades que ofrece la tecnología hoy, más que por la "categoría artística". Esto me lleva a pensar también en cómo en los últimos años el cine (además del vídeo) ha ido entrando en el museo; y sobre este tema en el próximo número de la revista Secuencias (de historia del cine) habrá un especial.

Una exposición mucho más mediática: la de Anish Kapoor en el Grand Palais de París, con motivo de la Monumenta 2011 (que cada año invita a un artista reconocido a crear una obra específica para el espacio del Grand Palais). Kapoor, como siempre, espectacular: "Intitulée Leviathan, l’œuvre d’Anish Kapoor est à l’image du monstre biblique une incarnation à la forme puissante et ténébreuse. Animal sans grâce qui cristallise nos peurs archaïques, le Léviathan traverse l’histoire de l’humanité comme une figure obsédante : il s’impose dans le Grand Palais comme une porte d’entrée dans l’antichambre de notre animalité et nous ramène à l’immémorial en chacun d’entre nous. La perception d’un monde ancien affleure à la surface et à l’intérieur de cette œuvre qui envahit l’espace et nous engloutit".

Leviatán, Cloud Gate, las obras de Kapoor como paisaje, algunas interviniendo en el espacio urbano, otras en el cubo blanco del museo. Y aquí una buena pregunta, "Installation Art: Who Cares?": "El CAAC participa en el Día Internacional de los Museos (18 de Mayo) con el estreno del documental INSTALLATION ART: WHO CARES?, en V.O.S y en proyección simultánea con otros centros internacionales de arte contemporáneo (Tate Modern, S.M.A.K, Kröller-Müller, MNCARS...). Dicho documental forma parte de los proyectos europeos Inside Installations y PRACTICs sobre la conservación de las artes visuales contemporáneas y aborda aspectos teóricos y prácticos acerca de tres obras concretas.

Dirigido por Maarten Tromp y producido por la Fundación para la Conservación de Arte Contemporáneo de Holanda, SBMK, el documental se centra, a través de distintas entrevistas, en tres casos de estudio -las obras de Olafur Eliasson, Tino Seghal y Bill Seaman-, planteando un recorrido que nos aproxima a las exigencias especiales y demandas de estas obras, formalmente complejas en materia de conservación preventiva y restauración. Asimismo afloran aspectos de la competencia profesional y de actuación sobre estas piezas". Y en la web del MNCARS leo "Visitas Guiadas al Taller de Restauración: El Museo oculto: ¿como se conserva y restaura el arte moderno y contemporáneo?

Visita
Lugar: Taller Restauración
Hora: 11 h, 13 h, 17 h
Entrada: gratuita, aforo limitado, requiere inscripción
Inscripción: email a actividadespublicas2@museoreinasofia.es
Proyección del documental
Lugar: Edificio Sabatini, Sabatini
Hora: 12 h y 17 h
Entrada: gratuita, aforo limitado

Esta actividad muestra los desafíos de restauración ante la obra de arte moderna y contemporánea. En primer lugar, visitando la restauración de la obra Mujer en Azul, de Pablo Picasso, proceso que ilustra los retos y técnicas de conservación y acerca al público a los espacios y procesos de restauración de obras de las técnicas más dispares.

De otro lado, se proyecta también el documental Instalaciones de arte: ¿quién las conserva?, que forma parte del proyecto Europeo Inside installations (Practics). Escrito y dirigido por Maarten Tromp, recorre varios casos prácticos con la pregunta: ¿puede un museo volver a mostrar el trabajo de un artista que no permite ninguna forma de documentación?".

Del día de los museos hablaremos la semana que viene, por cierto. O quizá antes.

Otra exposición que surge de un proyecto que parece interesante es Museo de las narrativas paralelas, en el Macba: "La exposición Museo de las narrativas paralelas presenta una selección de obras de la colección Arteast 2000+ de la Moderna galerija de Liubliana, la primera dedicada al arte de vanguardia de Europa del Este desde la posguerra hasta hoy, e intenta averiguar qué sistema artístico, si es que lo hay, acompañó la producción, presentación y museización de estas obras de arte. Museo de las narrativas paralelas habla de artistas que han trabajado en los márgenes de un mundo rígidamente ordenado y de su sistema artístico y, sobre todo, analiza su propia posición en los límites de una época que ha asistido a una aceleración en el establecimiento de un sistema artístico dentro del espacio que aún puede denominarse, justificadamente, "Europa del Este". La exposición también asume el propósito principal que anima a La Internacional, el proyecto de amplio alcance del que forma parte". Y esta es la presentación del proyecto L'Internationale: "L'Internationale is the name of a new transinstitutional organization comprised of five European museums and artists’archives based on the shared use of collections and archives. Contrary to the global hegemonic ambitions of the major contemporary art institutions, L’Internationale proposes a long-term collaboration among museums and archives—each of them with its specific collection focus and history— that intends to give greater visibility to their similarities and differences. This project aims to investigate local-to-local correspondence among cultural institutions, to instigate transnational, plural cultural narratives and, ultimately, to challenge common canons and dominant narratives of art history". Hasta donde yo sé el proyecto comenzó hace unos cuatro años y organizan seminarios, conferencias (disponibles en su web) y exposiciones. Quizá volvamos a él más adelante, en el apartado sobre proyectos.

Más cosas disponibles y accesibles a todos, gratuitamente, en internet a partir de ahora: la colección de imágenes (digitalizadas) de la universidad de Yale. ¡Aquí! (Por cierto, viva el acceso gratuito, vivan los creative commons).

Por último, un titular que me ha dejado un poco helada, así de primeras: "Met Plans to Occupy the Whitney’s Uptown Site". ¡Si Marcel Breuer levantara la cabeza! Esto será en 2015, cuando el Whitney se traslade al meatpacking, y además el edificio de Breuer seguirá siendo del Whitney: "The Whitney had been talking to several nonprofit institutions about the possibility of taking over its uptown site because it realized it cannot afford to run two museums. Under the agreement the Met will occupy the Breuer building for at least eight years". Evidentemente, mantener dos museos es casi de ciencia ficción, sobre todo si ya tienes ciertos problemas de financiación para uno solo. Leo en Twitter: "@museumnerd 40% of U.S. museums surveyed by @AAMers reduced their budgets in 2011. 29% had slight increases" y "More than 82% of mid-Atlantic museums surveyed by @AAMersreported "economic stress" in 2010!".

Hasta aquí el patio hoy. ¡Buen fin de semana!

Presentación

Unmetrocuadrado para conversar sobre arte. Dosvisionescomplementarias que ofrecer y compartir.
 
Somos 2. Nos respetamos, y nos comprendemos. 

Somos lo necesario para que ocurra la magia de la conversación. Este blog surge de una necesidad vital: el enriquecimiento que produce el intercambio de pensamientos e ideas, porque dos cabezas piensan más que una, y cuatro ojos ven el doble que dos. Pero aún hay más: nos interesa sondear las lógicas curatoriales contemporáneas, ponernos al día de lo que ocurre en el agitado mundo del arte, explorar nuevos vínculos entre la teoría y la práctica del arte hoy.
 
Ahora que las distancias las medimos en tiempo elegimos generar este espacio para diseccionar ideas y realidades y ponerlas en contexto y en relación.
 
Así dividimos el espacio en pulgadas y en cada una 3 secciones:

• Entorno a un texto (sobre los que reflexionaremos a lo largo del fin de semana, el sábado o el domingo), en los que cada una dará su visión y su personal reflexión de la practicidad de los conceptos artísticos, estéticos o curatoriales que se traten.
• Como está el patio (que saldrá los jueves), será un espacio de noticias, curiosidades y alguna que otra risa sobre lo que está pasando en el mundo del arte, para no perder detalle del panorama.
• Estos proyectos (que se publicarán los martes) es un proyecto en sí mismo, buscaremos ideas innovadoras llevadas a la práctica en el mundo del arte contemporáneo, ese tipo de iniciativas que nos hacen seguir creyendo en esto, y veremos sus pros, sus contras, sus desastres y nuestras particulares propuestas de mejora.